论文摘要:本文细致论述了油画写生情感的传达，深人分析了油画写生当中的各种要素之间的互相联络与统一，并对写生要经过对自然的深入理解、认真察看和逼真体验，对自然的投入与酷爱才干传其肉体，进而逼真的共鸣与融合，使作品在自然、画家与观赏者之间架起沟通情感的桥梁，这一重要关系做出了剖析。

    写生是艺术发明的重要组成局部，它自身也是一种独立的艺术方式，它以自然为表现对象，这里指的表现对象的范围是很普遍的，能够是室外的景物，也能够是室内某些东西，人物等等。经过写生能够使画家很快地抓住事物变化中最美妙的霎时，把最美妙的东西呈如今画面上。画画和做别的事情一样，一样会遇到一系列的问题，比方说在油画写生中的构图与颜色等问题。颜色会随着各种要素的变化而变化，也会随着地域的不同而变化，比方说颜色是有其民族性的，各个民族也有它们本人的色彩，这个很容易领会得到，我们曾近在咫尺去过雪域高原，戈壁沙漠，黄土高原，我们能够激烈地觉得到它们本民族特有的颜色。青藏高原的五彩经帆，洁白雪山，还有纯洁天空，曾经成为了藏族特有的代表颜色。江南水乡的那种清爽绿色，还有那种冲淡了的乡间建筑，也成了水乡共同的颜色觉得。下面我们就分别来谈一下颜色和构图及对象。

    一、写生中的颜色

    油画是颜色的言语，所以能很快谙熟颜色的规律。油画写生是要面对自然，在画面上描画出来的要有激烈的客观感受，要有生动的艺术境地，决不能客观自然的翻版。艺术中感受十分重要，它的表现方式有两种:“渐悟”与“顿悟”。顿悟是树立在渐悟的根底上的，没有长期的生活体验和艺术积聚，没有逐步的渐悟的过程，是不能可呈现奇观般的“顿悟”与“打破”的。颜色作为绘画表现的要素之一，在正确的运用下，可以明白地表现一定的构思，增强主题的感染力，激烈的影响观者的心情。

    颜色有普通的规律，而详细运用则巧妙无量，颜色也常常随人的感受，审美，喜好或涵养而不同。有的人不愿正面来接触这个问题。在历史上也有不少的艺术巨匠开端时或许颜色运用得并不好，后来才成名成家的。苏里柯夫早年用色相当僵硬，很不考究，看不出后来的那种颜色倾向。德拉克洛瓦是到各地游览写生，并在生活中随时的不时察看研讨，后来才发挥出他的颜色天才。塞尚在剖析他画面上的冷暖颜色比照和中间色层的推移来表现形体，一朝一夕塞尚构成了他共同的颜色作风。颜色从生活中来，而自然自身是美妙的，变化丰厚的，也是调和的。不美的颜色在光线，空气等种种要素的影响下也可能成为调和而美的。自然中很多现象启示我们用色，培育对颜色的美感。只是表现不好才把它弄糟了。即便对颜色很在经历的人，一旦不在接触自然，那么他的绘画很快就没有了活力。要在自然和生活中研讨颜色。只要认真地研讨对象，才干更好地搞本人的绘画。

    关于颜色彩配这样的问题，可能画得出来，但不一定能说得明白。还是应该探究颜色的根本规律。用色是一个十分个人化的客观性范畴，可能不应该从规律和理论的角度来讨论它。但是，要想画的好，就应该懂得一些颜色学问，它们是如何表现的，又是如何相互影响和联络的。当你混合颜色或是将两种颜色并列着画在一同时，它们如何互相影响，在不同的光线下颜色又是如何改动的为什么会褪色，颜色如何能够来重现外形、轮廓、视角和心情，某几种颜色的混合可以产生怎样的视觉效果以及这些视觉效果对人们的心理的影响假如想让颜色做出需求的事，那么一切的这些都很重要，都是要理解的。还有，对颜色的感受是主要的，但画画也不是只凭觉得就行了，还应该认识颜色的规律。只要熟习规律之后，才干运用自若。画面上一个要素不好，就会影响整个画面。绘画，应找比照关系，由于这样才有绘画性。提香的色彩很热烈，但我们应该留意他的冷色块在画面中所构成的比照。莫奈的《巴黎圣母院》颜色变化很亮堂的黄色，和暗面的蓝紫色构成的奇妙的比照，把阳光描画得非常生动，契合自然规律。印象派后期的一局部写实绘画中，颜色的冷暖比照在近代的绘画中更是有力的一种表现要素。颜色的冷暖并不是绝对的，冷色在某些画中有时会有暖的觉得，暖色在画面中某些要素的影响下还可能会产生冷的觉得这是由于颜色在整个色彩中相互作用的结果。因而绘画上应留意整体，并且用比拟的办法看待客观事物中复杂的关系是十分重要的。颜色运用能否适宜，必需从整体来看，但凡用色符合整体，通常就是很谐和的。颜色固然请求丰厚，但要分主次，有的能起到支配作用，而有的就只是附属作用。这样有助于表达内容的主次强弱，使观者在看画的过程中加深印象时用色不当，效果就适得其反了。另外，颜色的明暗鲜灰都能够协助一幅画起引导作用。
绘画的形和色假如只停留在外表的精确是不够的，应该进一步地去发现形与色的美，颜色有它本人的感情和意味。动人的艺术常常能把人们心理上的一些笼统的东西，如爽朗，阴霾，豪迈，纯真等等，达芬奇表现了聪慧的深沉、米开朗基罗表现了力气和生命、马蒂斯的画面使人感到明快，胜利的画家的颜色都是有他们本人的作风，但画家去认识与表现这些规律性的东西，并非是一样的，他们各自的着眼点与察看办法也是不同的。从美术史上看，各家有各家的气质，例如乔托爱用宝贵高雅的蓝色作宗教画的装饰底色，烘托前面的人物显得画面愈加明快。波提切利的金黄色彩愈加强了画面的神秘感和梦境般的仙境的觉得。安格尔用色单纯，其典雅漂亮好像他的素描。凡高鲜明的运动颜色，既表现了法国南部的特性，又表达了他内心的热情，和他对生命的酷爱。亨利卢梭的外型和颜色都给人一种天真的快感。颜色不只是外表地展示理想生活，它还要表现人们对理想生活的态度，表现画家的个性。

    二、写生中的构图    构图关于一幅画来说，就仿佛一座建筑的地基。假如没有这个坚实的根底，整幅画可能就散架了。即便最简单的主题也需求构图，这样才干有效天时用画面的局限，更重要的是，这样才干有效地强调作品背后的信息。马蒂斯曾说“构图是一种装饰性的艺术，它经过组织艺术家手边各种各样的元素表现艺术家的感情。”构图最重要的一个目的，就是到达视觉的均衡。换句话说，就要当心地处置眼前这些构成图案的元素，它们是线条、外形、颜色、色彩和质地。艺术家和艺术批判家提出了很多关于这种均衡的理论。古希腊的哲学家柏拉图曾经扼要地说过什么是好的构图:“构图就是在统一中发现并表现变化。”换言之，一幅画的内容要丰厚，这样才干让欣赏的人感兴味，但是这种丰厚又必需有限制有组织，以防止产生紊乱和不调和。严厉的对称使画面显得均衡，但是很平淡。而一个不对称的构图一方面坚持了视觉的均衡，另一方面结构了运动的张力和匀称的画面。能够把不对称的构图比作天平，一边放上很小但是很重的砧码，就能够均衡另一边一堆很大但很轻的东西。匀称调和画面就仿佛一首旋律分歧的乐曲，不同的元素互相联络起来，同时使构图代有一种特别的心情。一幅画应该有一个主要的要素，一个可以吸收观者留意的焦点。所以，当思索构图的时分，首先就应该想到强调什么?怎样去强调它?当我们看任何一幅美术作品时，我们会本能地寻觅一种贯串画面的视觉通道，使我们可以看懂整幅构图。假如这种幅画中的元素不是以一种另人高兴的调和匀称的方式联络起来的，那么我们会失去兴味，由于这会给我们四分五裂的觉得。构图是绘画很重要的一方面，构图假如过度依赖数学和几何学的原理，固然能使画面到达很好的请求，但是这样的画面过于平安和有规律。正如塞尚曾经说过的:“当我开端构思时，一切的准绳都消逝了。”一幅画之所以让人浮光掠影，是由于它有另人诧异的个性在里面。所以应该由你的发明性的本能来决议什么时分应该恪守准绳，什么时分应该突破他们。所谓绘画的准绳，事实上只应当被年作是结构出正确答案的一个大约的方针。随着经历的积聚你会发现好的构图很大水平上取决于察看、本能和直觉。在写生中构图的应用就显得更重要了，由于它直接表现画面能否生动，在写生之前，要果断地肯定好构图，千万不要改了又改，要用颜色来肯定构图。不只仅把它看做是一些占领了一定空间的物体，还要思索它是一个形，一块颜色。

    三、写生对象的选择

    其实没有必要去寻觅“人画”的风光;有一些最巨大的绘画作品画就是最简单的日常生活的场景。从最熟习的中央开端，尽力从中发现那些可以唤起你感情回应的东西。当你偶尔发现一些让你冲动不已的东西时，马上就应把它画下来，至少画一幅速写。不要错过它，想着可能在角落那边还有更绿的草地。第一眼看到的觉得是共同的，而且，常常是这样，当你再次返回那里的时分，那种原来让你冲动不已的东西，可能你就觉得不到了。一切的事情都不是绝对的，找到了感兴味的景物，但是可能会遇到很多隐患，光线的飞快变化，揣摩不定的天气等等。这些费事很可能会直接影响作画的心情，但是与自然直接接触的愉悦相比，这些费事还算什么呢?能感遭到人自然中的氛围，这样作品自然也会随之受益的。

    综上所述，真正巨大的艺术作品来源于艺术家内心与自然的融合，创作也好，写生也好，道理都是一样，都要从本人的内心动身，表达本人的真实情感，要尊重自然酷爱自然，艺术的动力来源于真诚的内心打动，也来源与无悔的热忱追求。无论搞什么样的艺术都真诚的用心看待，这样的作品才是优秀的，才是真正能震动人心的。